Anna Maria Guarnieri

-  Una delle differenze principali che intercorrono tra un bravo pittore e colui che riesce solo a pasticciare con i colori é la capacità di saper osservare, ovvero di cogliere ogni dettaglio della visione reale.  La vita moderna ci porta spesso ad utilizzare attività cerebrali logico-verbali e pochissimo le relazioni tra forme, spazio e colore e per questo é necessario "fermarsi" e osservare. Io ad esempio adotto una tecnica di osservazione che chiamo "puntiforme". Cerco infatti di guardare l'oggetto che devo riprodurre osservandone punto per punto i dettagli infinitamente piccoli di ogni sfumatura di colore e di luce, poi cerco di isolare lo spazio nel quale é collocato l'oggetto, osservandone con cura le proporzioni. 

 Anche se oggi esiste la macchina fotografica con  la quale é possibile fissare in una frazione di secondo momenti altrimenti fluttuanti o irripetibili, io ritengo necessario integrare la fotografia con dei disegni a carboncino. Per disegnare adopero fogli di carta semiruvida di 33 x 48 cm, di una grammatura di circa 200 - 240 g. e naturalmente le matite secche di carboncino. Perché eseguo dei disegni? semplicemente perché la loro esecuzione mi aiuta ad osservare e poi a ricordare,  tutti qui dettagli che altrimenti verrebbero naturalmente ignorati. 

 Anche se per alcune opere adopero la tela, io trovo più adatto al mio modo di pitturare il cartone telato. Ritengo infatti che avendo questo una base rigida e fortemente assorbente, sia estremamente versatile per molte tecniche miste. Tuttavia, considerato che io pitturo quasi esclusivamente ad olio, per far aderire meglio il colore, preparo il cartone telato, stendendo uniformemente con un pennello, un sottilissimo impasto a base di gesso.

Spesso vedo alcuni pittori che iniziano a pitturare la loro tela, senza aver minimamente abbozzato un cenno del disegno. Devo confessare che ammiro chi ha queste capacità, ma io prima di prendere un pennello, devo adoperare le mie matite e disegnare molto bene tutte le mie opere. Trovo che questo sistema mi aiuti ad immaginare meglio il risultato finale ed inoltre, così facendo, ho la possibilità di riflettere sul disegno realizzato per qualche giorno e apportarvi, se del caso, le modifiche necessarie o cancellarlo totalmente. Quando frequentavo la scuola e facevo il "Tema di Italiano", mi capitava spesso di non trovare molti errori sul compito appena fatto, ma se poi rileggevo a distanza di qualche tempo lo stesso "tema" scoprivo sempre qualche brano da migliorare. Oggi, con i mie quadri cerco di fare lo stesso, evito rigorosamente la loro rapida realizzazione, così ho modo di riflettere e migliorare.

Parlare della mia tavolozza é come parlare del "caos cosmico". La comune tavolozza dovrebbe essere un piano di cui l'artista si serve per mescolare i colori, ma io non ho vicino al mio cavalletto una tavolozza, ma un magma che trabocca di colori, vasetti, piattini, tappi e quanto possa servire a contenere del colore. Conosco dei colleghi che puliscono ogni volta la loro tavolozza o che adoperano i piatti di plastica usa e getta, ma il mio modo di essere e di pitturare mi impedisce questa ordinata gestione del colore. Come ho già avuto modo di accennare, i miei quadri non nascono in poche ore e quindi io ho necessità di conservare alcuni dei colori creati, mentre intanto lavoro all'esecuzione di un'altra opera. Il risultato di tutto questo é un apparente e forse anche reale disordine, ma chissà per quale misterioso motivo, le mie mani sanno sempre dove andare ad intingere il pennello.

E' uno strumento indispensabile per la pittura in studio, è molto comodo, pratico e permette di realizzare quadri di varie dimensioni, senza costringere il pittore a posture impossibili. E' quindi bene avere un cavalletto di buona fattura e del tipo dotato di meccanismo che permette di abbassare e sollevare il sostegno inferiore del supporto, il modo da poterlo avere centrato rispetto all'altezza del nostro sguardo. Inutile descrivervi il mio cavalletto, ha talmente tanti anni, che non riuscireste a trovarne uno simile. 

E' vero che é possibile pitturare anche con straccetti, stecchi, dita e quanto altro, come non nego che qualche volta, strumenti e materiali non accademici sono utilissimi, ma avere dei buoni pennelli é indispensabile. Esiste una vasta gamma di modelli per ogni esigenza che vengono classificati per numeri. I miei pennelli sono di pelo sintetico e  animale, ne possiedo una gamma quasi completa sia per dimensioni e forme. Amo curare i miei pennelli, come curo l'esecuzione di un quadro; dopo ogni seduta li pulisco delicatamente, prima con acqua ragia e poi con acqua e sapone e li ripongo in bell'ordine al loro posto, facendo attenzione a mettere ai pennelli più piccoli il loro cappuccio trasparente. Quando mi accorgo che le setole del pennello sono diventate secche, le metto in bagno nell'olio di lino e le tengo per circa 30 minuti, poi le tampono con della morbida carta assorbente.

Sul mercato esistono colori di diverse marche e in un campionario  possono esserci fino a 110 tonalità, ma io in genere ne adopero solo 13, più il bianco ed il nero. Infatti, nell'esecuzione di un dipinto cerco sempre di ottenere il maggior numero di colori con il minor numero di tubetti, nessun colore viene da me steso puro sulla tela ed in genere mescolo il colore in quantità molto piccole in modo che nuovi colori si formino continuamente. Ogni volta che compongo una nuova tinta, lavoro verso la mescolanza esistente e così ottengo una tavolozza ricca e con varie tinte. I colori a olio garantiscono la massima stabilità e inalterabilità nel tempo, ma purtroppo hanno dei tempi di essiccazione molto lunghi. Se ho quindi fretta, espongo per circa due giorni il dipinto all'aria aperta e alla luce del sole. Posso garantire che il metodo non danneggia il dipinto, anzi, ho notato che l'olio essiccandosi, non ingiallisce e non crepa. Proprio per possibili problemi di crepatura del colore, io evito di adoperare i gel essiccanti. Anche se i colori buoni e professionali hanno un elevato costo, io cerco sempre di adoperarli non solo perché migliorano il risultato finale dell'opera eseguita, ma soprattutto perché un buon colore resiste inalterato per tantissimi anni. E' pur vero che io non sono Leonardo da Vinci e nessuna delle mie opere assomiglia alla "Gioconda", ma perché privarmi dei sogni. 

Esistono vari diluenti dei colori ad olio, tra i quali il distillato di petrolio raffinato, l'essenza di trementina e la  ragia minerale. Io solitamente adopero modeste quantità di distillato di petrolio inodore e per pulire i pennelli la ragia minerale all'essenza di pino. Trovo inutile descrivervi l'uso del diluente, anche perché la quantità che io utilizzo maggiormente é impiegata per pulire.

Esiste in commercio una notevole gamma di oli e olietti, ma io preferisco affidarmi all'olio di lino, che é una sostanza che il tempo ha testato e ha dimostrato la sua bontà.  L'aggiunta di Olio di lino al colore permette sicuramente di raggiungere una buona dilatazione della pennellata rendendo il dipinto ben "plasmato", inoltre l'olio di lino essicca abbastanza rapidamente e aumenta la brillantezza del colore. Questo olio ha tuttavia un difetto, é soggetto ad ingiallimento, che io evito, trattando l'opera come ho già descritto, nella sezione "colori a olio". Inoltre non adopero solo olio di lino, ma anche olio di papavero, che impiego sempre per i colori molto chiari. Per quale motivo? semplicemente perché anche questo olio ha una grande tradizione storica ed assolutamente non ingiallisce, anche se é un olio che essicca più lentamente dell'olio di lino. 

Premesso che non necessariamente ogni pittore deve tenere conto della prospettiva, tanto che ci sono bellissime opere d'arte e noti artisti che nei loro dipinti trascurano gran parte della visione prospettica. Tuttavia, il mio modo odierno di pitturare non può trascurare la prospettiva.  La visione della profondità è un fenomeno ottico, per cui gli oggetti ci appaiono via via più piccoli man mano che si allontanano dal nostro occhio e sfuggono verso l'orizzonte. Come conseguenza, linee che sappiamo essere parallele,  tendono ad avvicinarsi fino a congiungersi in un punto che é chiamato punto di fuga. Creare un'opera che suggerisca il senso della profondità e della prospettiva significa quindi trovare una simbologia geometrica che permette alla nostra mente di interpretare il disegno, che è bidimensionale, secondo i segnali visivi dell'esperienza del mondo reale, che è tridimensionale. Io, comunque, cerco di ottenere da ogni mia opera la quadridimensionalità, nel senso che cerco di aggiungerci anche una quarta dimensione che é per me la dimensione dell'anima.

Il simbolismo é un movimento emerso  durante il periodo postimpressionista, intorno al 1890. Io, fondamentalmente, ma senza voler imitare, condivido il manifesto di questo  movimento e dunque, in gran parte delle mie opere cerco di rappresentare in una forma visibile e concreta, idee astratte come amore, odio, Dio, pietà, ecc. Considero quindi qualsiasi oggetto, non in quanto tale, ma come segno simbolico dell'idea. Non amo tuttavia deformare la prospettiva, ma preferisco la sintesi dei soggetti, "forzare" l'intensità del colore e la tridimensionalità,  quali mezzi per meglio decorare e soprattutto per far intuire e rendere leggibile il mio messaggio.

 Alla fine di questa piccola escursione sul mio modo di pitturare, mi rendo conto di non aver detto molto a quel lettore che ha avuto la volontà e pazienza di leggermi fino a questo punto, ma non ho la vocazione dell'insegnante ed inoltre, ogni espressione artistica ha i suoi misteri ed io desidero conservare qualcuno dei miei. Sono infine assolutamente convinta che agli estimatori delle mie opere, non interessi molto come raggiungo un determinato risultato, l'importante per loro é il risultato, che deve essere esteticamente piacevole, far meditare la mente e riscaldare l'anima.